Interview
Common Imprint, a Platform For Asian Independent Publications in Berlin
Interview with Sam Kim
©Common Imprint
A view of the reading room at Common Imprint ©Common Imprint
Kim replied, "First of all, it's not easy to find Asian publications in Berlin. There are a lot of bookstores here that carry independent and art publications, but the selection of Asian publications is very limited, especially independent publications, which often don't have ISBNs, and it's hard to find these books in regular bookstores."Indeed, there are dozens of thematic and independent bookstores in the city of Berlin, but none has a large selection of Asian independent publications or focuses on them. If an Asian publisher or author is just represented at the annual Book Art Fair, it's for a little less than a week. This is not simply due to the geographical distance between Asia and Europe. Consider that the work of European-based publishers, graphic designers, and bookmakers are consistently available in independent bookstores, book art galleries, and art museum bookstores in Korea.
"Germany has a long history of publishing, so there are a lot of publishing houses that are large and well-established in their own system. There are also some large publishing houses that specialize in art publications and handle the entire process from planning, printing, and distribution on their own. These publishers are able to distribute their books without the need for local distributors in Asia. On the other hand, it is difficult to find a wide range of Asian independent publishers here in Berlin, as the distribution channels from Asia to Europe are not as clear-cut."
The reading room of Common Imprint, which is currently open by appointment, features more than 400 publications from East and Southeast Asia. Most of them were chosen in collaboration with The Book Society in Seoul, which first proposed the reading room project, and were brought to Berlin by Kim after he obtained them at book fairs. As I perused the shelves in the reading room, my eyes naturally lingered on the exhibition catalogs, catalogs of art collections, and magazines published in Korea. I paused for a moment in front of books published in an unfamiliar language. As I turned the pages, I was intrigued by the subtly different page layouts and organization of the books.
Kim said he had a few principles in mind when organizing the collection in the reading room. He focused on books that contained both their original language and English or those that were in the original language alone but had striking images, illustrations, or design elements. He also carries books that have played a significant role in understanding one or another region.
"This series published by The Type is a typographic study of Chinese typefaces,” Kim said. “The Latin alphabet is assembled around a baseline, while CJK (Chinese-Japanese-Korean) is arranged and designed in squares. It's an introduction to the history of typography and typesetting in China, but you can also connect it to the character design of Korean and Japanese”.
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Kŏngquè–restoring the mindset of Chinese typesetting, The Type ©The Type
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Repeal and Rage ©Anonymous
Kim said he had a few principles in mind when organizing the collection in the reading room. He focused on books that contained both their original language and English or those that were in the original language alone but had striking images, illustrations, or design elements. He also carries books that have played a significant role in understanding one or another region.
"This series published by The Type is a typographic study of Chinese typefaces,” Kim said. “The Latin alphabet is assembled around a baseline, while CJK (Chinese-Japanese-Korean) is arranged and designed in squares. It's an introduction to the history of typography and typesetting in China, but you can also connect it to the character design of Korean and Japanese”.
Kŏngquè–restoring the mindset of Chinese typesetting, The Type ©The Type
Repeal and Rage ©Anonymous
Kim recently traveled to the Sharjah Art Book Fair (Focal Point 2022) and the Singapore Art Book Fair. The Sharjah Art Book Fair, held in the United Arab Emirates, was an invitation-only event that brought together publishers and authors from Mexico City, Cairo, New Delhi, and Keiwu, as well as publishers from other cities in Africa, the Middle East, and Central Asia. Seeing publications from Germany, Korea, and elsewhere that were not readily available in person in Berlin, as well as conversing with the people involved, strongly motivated Kim to realize the reading Kim. He was also impressed by the Singapore Art Book Fair.
The flea market officially closed in 2017 and its former vibrancy has been reduced to a trace on the road that is easy to ignore. Rediscovered through the eyes of designers, however, these traces stand as historical markers, documented in the photographs and text of this book.
Street Report No2–Hooks & Holes, Temporary Press, ©Faiz Bin Zohri
Poster designed by Siyu Mao ©Common ImprintKim continued, "At the book fair, I also met the owner of Grey Projects, Jason Wee. Almost for 15 years, Grey Projects has been running a physical space called Grey Projects Library where you can browse through hundreds of publications collected from Singapore and Southeast Asia, and they also organize artist residencies and exhibition projects. Not long ago, Jason visited with some of the books published by Grey Projects."
The way Kim describes the Gray Project gives me a glimpse of what he'll be creating in the reading room. As a graphic designer, he had been following his own visual rules, mostly on a screen or on the page. Now, he has taken on the role of "project owner" and emphasizes the importance of platforms where publishers, writers, and the general public can meet, especially those that feature independent publications. Like the full name of the reading room, which is written in English, German, Korean, and Chinese, “Common Imprint, Gemeinsames Impressum, 一般出版,” he doesn't emphasize any regional identity, nor does he lump the different attractions of independent publishing together when he discusses the items he carries. Instead, he speaks of the reading room as a place where the value and artistry of each book can be extended from the page to the space, and connect people from different cultures. He and his colleagues might be busy welcoming anyone who loves independent publishing even at this moment.
- Publish date: 19. 9. 2023.
- Publication: Design Press, Seoul
- Provide images and Interview with: Sam Kim (the co-founder of Common Imprint)
INTERVIEW
einBuch.haus: Book as a Form of Exhibition And Work of Art
Go to the einBuch.haus’ website
A gallery specialising in artists' books in Berlin
If you're a fan of independent publications, it's worth planning a trip to Berlin just for the bookshops. From Motto Berlin, which has been around since 2007, to A to Z, which focuses on designer publications, to do you read me and Pro qm, which sell fashion, architecture and art books, it's hard to name just a few of the city's established bookstores. But einBuch.haus is the only gallery in Berlin that specialises in exhibiting and selling artists' books. As a lover of artist books, whenever I hear about an exhibition at einBuch.haus, I always make it a point to visit first, no matter what is on display. I took the opportunity to talk to einBuch.haus curator Jae-kyung Kim about artist books as an exhibition medium and her unique exhibition methodology.
Homage to the Square(HS): How did you come to run einBuch.haus, a gallery specialising in artist books?
Jae Kyung Kim(Kim): I studied visual design at university and graduate school, where I learned various tasks related to book editing, and I studied information experience design at the Royal College of Art (RCA), where I learned about the way we experience information, or in other words, exhibition methodology. Perhaps it was the combination of these two experiences that led me to run einbuch.haus.
HS: 'A book in the form of an exhibition' is the motto of the einBuch.haus on its website. I'm curious to know what drew your attention to the possibility of transforming the medium of the book into a spatial exhibition.
Kim: I think that when I make a book, there is a process where there is a grid at the beginning, where I put together the fonts and the text. After that, I think about the binding, the paper, the cover, and so on. When you design a building, you think about the structure first, and then you think about the materials and the details. I am interested in the materiality of the book and what kind of experience can be created when the content inside is extended to the outside space. That's why I started einBuch.haus in 2018 with the motto 'A book in the form of an exhibition', and in 2019 the gallery moved to its current location, where I have been exhibiting artists' books ever since.
If you're a fan of independent publications, it's worth planning a trip to Berlin just for the bookshops. From Motto Berlin, which has been around since 2007, to A to Z, which focuses on designer publications, to do you read me and Pro qm, which sell fashion, architecture and art books, it's hard to name just a few of the city's established bookstores. But einBuch.haus is the only gallery in Berlin that specialises in exhibiting and selling artists' books. As a lover of artist books, whenever I hear about an exhibition at einBuch.haus, I always make it a point to visit first, no matter what is on display. I took the opportunity to talk to einBuch.haus curator Jae-kyung Kim about artist books as an exhibition medium and her unique exhibition methodology.
Homage to the Square(HS): How did you come to run einBuch.haus, a gallery specialising in artist books?
Jae Kyung Kim(Kim): I studied visual design at university and graduate school, where I learned various tasks related to book editing, and I studied information experience design at the Royal College of Art (RCA), where I learned about the way we experience information, or in other words, exhibition methodology. Perhaps it was the combination of these two experiences that led me to run einbuch.haus.
HS: 'A book in the form of an exhibition' is the motto of the einBuch.haus on its website. I'm curious to know what drew your attention to the possibility of transforming the medium of the book into a spatial exhibition.
Kim: I think that when I make a book, there is a process where there is a grid at the beginning, where I put together the fonts and the text. After that, I think about the binding, the paper, the cover, and so on. When you design a building, you think about the structure first, and then you think about the materials and the details. I am interested in the materiality of the book and what kind of experience can be created when the content inside is extended to the outside space. That's why I started einBuch.haus in 2018 with the motto 'A book in the form of an exhibition', and in 2019 the gallery moved to its current location, where I have been exhibiting artists' books ever since.
Exhibitions that move between two-dimensional ground and three-dimensional space
HS:I think you have developed your own methodology for finding themes, meeting artists, and implementing the actual exhibition, either alone or with collaborators over the years.
Kim: In my work at einBuch.haus, I'm not only curating exhibitions but also documenting them, so when I'm curating an exhibition, I'm thinking about how to extend the content of the book outward. When I turn the exhibition into a book, I have to reorganise it to fit the structure of the book again. I feel like it's a circular process.
HS: It's in this circular structure that your curatorial skills and the character of einBuch.haus come to the fore. It's interesting how a single work can be interpreted in many ways, both on the two-dimensional floor and in the three-dimensional exhibition space, and then in the process of translating it back into the structure of the book.
in different ways.
Kim: I think it's because I was trained in visual design, and during my two years at the RCA, where I curated a number of solo and research exhibitions, I naturally learned how to make exhibitions and books, especially as there was a lot of discussion at the time about 'intermediate space' and a lot of touch-based work being made. So I often encountered situations where the viewer was encouraged to touch the work, but the safety of the work and the viewer had to be considered at the same time. Of course, einBuch.haus is not a publisher of artists' books, but since 2022 we have been collaborating with artists to produce books, or if there is an exhibition that we think would be interesting to translate into book form, we will produce a publication. A typical project that illustrates the 'book-exhibition-book' cycle is the exhibition Architecture is Frozen Music by Laure Catugier and the artist's book of the same name that we co-published after the exhibition. Since last year, einBuch.haus has been publishing artists’ books as traveling exhibitions.
HS: The exhibition Architecture is Frozen Music (2022) is one of the exhibitions I didn't get to see in person. I'm curious about the process of exhibiting and publishing an artist's book, as Catugier has worked primarily with photography, sound, and e-books. Her exhibition at einBuch.haus seems to have inspired her to create an artist's book.
Kim: Most of my exhibitions at einBuch.haus start with an artist's book, which is published early in the process and which I can see and curate myself. In the case of Laure Catugier, I only had the concept for the book, but I prepared the exhibition based on my trust in the artist, which came from knowing her work for a long time.
HS:I think you have developed your own methodology for finding themes, meeting artists, and implementing the actual exhibition, either alone or with collaborators over the years.
Kim: In my work at einBuch.haus, I'm not only curating exhibitions but also documenting them, so when I'm curating an exhibition, I'm thinking about how to extend the content of the book outward. When I turn the exhibition into a book, I have to reorganise it to fit the structure of the book again. I feel like it's a circular process.
HS: It's in this circular structure that your curatorial skills and the character of einBuch.haus come to the fore. It's interesting how a single work can be interpreted in many ways, both on the two-dimensional floor and in the three-dimensional exhibition space, and then in the process of translating it back into the structure of the book.
in different ways.
Kim: I think it's because I was trained in visual design, and during my two years at the RCA, where I curated a number of solo and research exhibitions, I naturally learned how to make exhibitions and books, especially as there was a lot of discussion at the time about 'intermediate space' and a lot of touch-based work being made. So I often encountered situations where the viewer was encouraged to touch the work, but the safety of the work and the viewer had to be considered at the same time. Of course, einBuch.haus is not a publisher of artists' books, but since 2022 we have been collaborating with artists to produce books, or if there is an exhibition that we think would be interesting to translate into book form, we will produce a publication. A typical project that illustrates the 'book-exhibition-book' cycle is the exhibition Architecture is Frozen Music by Laure Catugier and the artist's book of the same name that we co-published after the exhibition. Since last year, einBuch.haus has been publishing artists’ books as traveling exhibitions.
HS: The exhibition Architecture is Frozen Music (2022) is one of the exhibitions I didn't get to see in person. I'm curious about the process of exhibiting and publishing an artist's book, as Catugier has worked primarily with photography, sound, and e-books. Her exhibition at einBuch.haus seems to have inspired her to create an artist's book.
Kim: Most of my exhibitions at einBuch.haus start with an artist's book, which is published early in the process and which I can see and curate myself. In the case of Laure Catugier, I only had the concept for the book, but I prepared the exhibition based on my trust in the artist, which came from knowing her work for a long time.
Exhibition View: Laure Catugier, Architecture is Frozen Music, einBuch.haus, 2022 (Photo: Laure Catugier © VG Bild-Kunst, Bonn)
Larue Catugier, Architecture is Frozen Music, einBuch.haus & Naima Editions, 2022 (Photo: Laure Catugier © VG Bild-Kunst, Bonn)
As if to reward my faith, the first limited edition published by Naima Editions sold out during the exhibition. So Catugier and I produced additional limited edition postcards for sale at the Miss Read and at the art markets scheduled at the time. After the exhibition, I proposed to the artist that we co-publish a second edition with Naima Editions and we distributed it for the first time at Multiple Art Days in Paris. The first edition differs from the second in that we recycled an installation from the exhibition for the cover, and the box that holds the book is made of basic paper and staples to capture the physicality of a paper box.
HS: Every time I come to the einBuch.haus, I find that the exhibition design works very well with the work. Personally, I was impressed by Kyungtae Kim's exhibition Serial Composition (2019), where the architectural beauty of the regular alignment of books and book pages in his photographs was reflected in the exhibition space.
Kim: Johannes Rößler is fully involved in the production of exhibitions at einBuch.haus, from the idea to the actual installation. For Kyungtae Kim's exhibition, Johannes installed 12 sculptures at different angles, as if the bookshelves were actually turning, and displayed 12 A4 photographs from the book The Serial Composition, published by Pirate Press, on top of them.
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HS: Given the nature of the book as a medium, where the formal features don't vary much from one work to the next, do you find it difficult to design a space that suits the physicality and nature of the work for each exhibition?
Kim: The difficulty of designing the exhibition space also varies according to the nature of the exhibition. For example, since the motto of einBuch.haus is to exhibit one artist's book, when we exhibit a single work by one artist, it is not much more difficult than a group exhibition, from deciding on the concept to organizing the design of the space. On the other hand, if we have to exhibit different works by several artists in one place, we have to think harder.
HS: Every time I come to the einBuch.haus, I find that the exhibition design works very well with the work. Personally, I was impressed by Kyungtae Kim's exhibition Serial Composition (2019), where the architectural beauty of the regular alignment of books and book pages in his photographs was reflected in the exhibition space.
Kim: Johannes Rößler is fully involved in the production of exhibitions at einBuch.haus, from the idea to the actual installation. For Kyungtae Kim's exhibition, Johannes installed 12 sculptures at different angles, as if the bookshelves were actually turning, and displayed 12 A4 photographs from the book The Serial Composition, published by Pirate Press, on top of them.
Exhibition View: Kyoungtae Kim, Serial Compositions, einBuch.haus, 2021 (Photo: Maxim Schulz)
HS: Given the nature of the book as a medium, where the formal features don't vary much from one work to the next, do you find it difficult to design a space that suits the physicality and nature of the work for each exhibition?
Kim: The difficulty of designing the exhibition space also varies according to the nature of the exhibition. For example, since the motto of einBuch.haus is to exhibit one artist's book, when we exhibit a single work by one artist, it is not much more difficult than a group exhibition, from deciding on the concept to organizing the design of the space. On the other hand, if we have to exhibit different works by several artists in one place, we have to think harder.
Artists' books, encountering them in different ways in everyday life
HS: Another interesting exhibition at the einBuch.haus was the Micro Books Gumball Universe, where visitors put two euros into a dispenser, turn a lever and a box comes out with the artwork. They have to look closely at the tiny artworks inside, which of course makes the viewer curious.
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Exhibition View: Micro Books - Gumball Universe, einBuch.haus, 2022 (Photo: Olivia Kwok)
Kim: This was also one of the exhibitions I really enjoyed working on. Nina Prader and Malte Spindler, both artists and publishers, curated the project Gum Ball Universe, and after seeing their micro-books I was inspired to propose an exhibition that focused on how these little books could be appreciated and circulated. If you look closely at the work, these little cylindrical cases contain B-cut images that the artist never finished, images by illustrators, photobooks, etc. The photobooks are a compilation of photographs that Malte took during his own visits to cities in Ukraine, and some of them contain multiple editions of the same work, while others contain different works by the same artist.
HS: I'm curious to see how the public reacted during the actual exhibition.
Kim: I wanted einBuch.haus to be a gallery accessible to everyone, because the book is a medium that people are familiar with. So, I wanted it to be a space where people could drop in and look at the work without having to understand anything about artists' books. I think this exhibition was probably the one that met that desire. I was running a workshop on zines at a school near the gallery during the exhibition, so the teacher brought her students to visit. I also made kits of the works in editions of 40 for the exhibition, so that people who didn't see the exhibition could see and collect them. The kits were my idea because my role at einBuch.haus is not only to curate the exhibition, but also to ensure that the book works are actively circulated, collected and presented after the exhibition.
HS: Another interesting exhibition at the einBuch.haus was the Micro Books Gumball Universe, where visitors put two euros into a dispenser, turn a lever and a box comes out with the artwork. They have to look closely at the tiny artworks inside, which of course makes the viewer curious.
Exhibition View: Micro Books - Gumball Universe, einBuch.haus, 2022 (Photo: Olivia Kwok) Kim: This was also one of the exhibitions I really enjoyed working on. Nina Prader and Malte Spindler, both artists and publishers, curated the project Gum Ball Universe, and after seeing their micro-books I was inspired to propose an exhibition that focused on how these little books could be appreciated and circulated. If you look closely at the work, these little cylindrical cases contain B-cut images that the artist never finished, images by illustrators, photobooks, etc. The photobooks are a compilation of photographs that Malte took during his own visits to cities in Ukraine, and some of them contain multiple editions of the same work, while others contain different works by the same artist.
HS: I'm curious to see how the public reacted during the actual exhibition.
Kim: I wanted einBuch.haus to be a gallery accessible to everyone, because the book is a medium that people are familiar with. So, I wanted it to be a space where people could drop in and look at the work without having to understand anything about artists' books. I think this exhibition was probably the one that met that desire. I was running a workshop on zines at a school near the gallery during the exhibition, so the teacher brought her students to visit. I also made kits of the works in editions of 40 for the exhibition, so that people who didn't see the exhibition could see and collect them. The kits were my idea because my role at einBuch.haus is not only to curate the exhibition, but also to ensure that the book works are actively circulated, collected and presented after the exhibition.
Book: Micro Books - Gumball Universe kit, einBuch.haus, 2022 (Photo: Olivia Kwok)
HS: I firmly believe that the curator's role is crucial in artist books, more so than in other art media. If a curator or seller does not actively engage in the complete process of organizing exhibitions, introducing, selling, and distributing an artist's book, visitors may easily perceive the book as merely an incomprehensible object.
Kim: I put a lot of thought into different ways to present artists’ books. For instance, during exhibitions, some pieces are not only displayed in the exhibition space but also on bookshelves. I also organise bookbinding workshops irregularly. Renowned book designer and illustrator Julia Fabricius participates as an instructor. I decided on this workshops because there's no other place in the Pankow area, where the gallery is located, offering similar workshops. There's demand from artists interested in learning bookbinding as well. By hosting exhibitions and workshops simultaneously like this, I believe that the community at einBuch.haus, where visitors, artists, and designers converge, is growing stronger.
HS: You also currently run the publishing company ENKR. Is there a specific reason that you decided to operate a publisher in Korea?
Kim: In my view, while there is a significant production and distribution of independent publications in Korea, there appears to be a scarcity of theoretical literature concerning them. Although public interest in independent publications has surged due to events like the art book fair, there remains a shortage of theoretical works that delve into the essence of independent publications and artists’ books. Therefore, Da-hye Noh and I established Enker to translate noteworthy theoretical publications from abroad and introduce them to Korean readers. It was within this framework that we published "On NO-ISBN Independent Publishing" (2021), a translation of Bernhard Cella's work on self-publishing.
- Publish date: 28. 4. 2023.
- Publication: Design Press, Seoul
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ESSAY
Inquiring Qyality And Attitude of The Library of Art
Kunstbibliothek in Berlin marks its 150th year in 2018. It was not easy to comprehend the
significance
of history accumulated over 150 years, which is an impressive lifespan for an arts
and cultural organisation. At the same time, I was curious as to what art libraries do and
how this one had survived for such a long period of time. The Kunstbibliothek is a
highly selective
library that only allows people to inspect their collections after submitting
online applications, but on the other hand it is always packed with visitors there to
experience exhibitions and educational programmes. After reading a news article about
initiatives to establish museum libraries in Korea I decided to look into Berlin’s art library in
more depth. Would it be possible to learn lessons from Europe where some art libraries
have already been operating for more than a century? Both excitement and concern rose
inside me. I kept glancing at my watch while waiting for an interview.
Art libraries in Europe have been created in line with the trajectory of political and societal shifts and the cultural history of each country. The style of operation and character of the organisations is closely aligned with the historical circumstances of the period in which the libraries were established. The history of the United Kingdom’s National Art Library dates back to the Great Exhibition in 1851. The success of the Great Exhibition in The Crystal Palace meant Henry Cole, one of its key organisers, was commissioned to lead other crucial projects for the development of industrial design in the country. It was Cole’s idea to change the name of the School of Design’s library to the National Art Library. By doing so he would like to change it to a national library that collects arts books from the UK and abroad. Later the National Art Library was moved to the Victoria and Albert Museum in 1884 and started to collect not only paintings and drawings but also books about architecture, porcelain, glass, textiles and accessories. It also began acquiring livres d’artistes from the start of the 20th Century.1
Art libraries in Europe have been created in line with the trajectory of political and societal shifts and the cultural history of each country. The style of operation and character of the organisations is closely aligned with the historical circumstances of the period in which the libraries were established. The history of the United Kingdom’s National Art Library dates back to the Great Exhibition in 1851. The success of the Great Exhibition in The Crystal Palace meant Henry Cole, one of its key organisers, was commissioned to lead other crucial projects for the development of industrial design in the country. It was Cole’s idea to change the name of the School of Design’s library to the National Art Library. By doing so he would like to change it to a national library that collects arts books from the UK and abroad. Later the National Art Library was moved to the Victoria and Albert Museum in 1884 and started to collect not only paintings and drawings but also books about architecture, porcelain, glass, textiles and accessories. It also began acquiring livres d’artistes from the start of the 20th Century.1
Bibliotheque de I’INHA - Salle labrouste ⓒINHA Photo: Laszlo Hovath Kunstbibliothek in Berlin was established
around the same time as the UK’s National Art Library. The discussion around its creation
first began after it was decided to open the royal museum and library to the public as part
of Friedrich Wilhelms Ⅲ’s birthday celebrations in 1830. The organisers devised a 30-year
plan to rearrange museum collections – that used to be arranged in Kunstkammer style –
more systematically and to build a library for public to read books about art and appreciate
books as an artwork.2 Launched in 1868, the library was operated in association with
Germany Arts Industry Museum (current Kunstgewebemuseum) and University of the Arts
(current Universität der Künste Berlin, UdK). The name and affiliated organisations have
changed a few times but its role and functions have remained the same.
Waldemar Tizenthaler, Kunstgewerbemuseum Berlin, Ausstellungsraum der Bibliothek, 1906 ⓒKunstbibliothek, Staatliche Museen zu Berlin
ⓒKunstbibliothek, Staatliche Museen zu BerlinIn an interview with Dr. Joachim Brand, Kommissarischer Direktor of the Kunstbibliothek he
expressed his pride about working for a library with such a long history. According to him,
the library has two big categories: general documents or books that include mainly academic documents and exhibition catalogues; and then five collections consisting of approximately 900,000 items. The collections are classified into photography, Buchkunst, graphic design,
architecture, and fashion. There are departments and experts for each category and the
structure of the building and its systems are adapted to each department’s specific needs.
The museum library is not simply a collection of art-related books as it also carries out the
fundamental roles of an art museum, such as collection, preservation, research, and
exhibition.
The Kunstbibliothek, which has consistently created exhibitions since its opening, presented The ABC of Travel exhibition to mark its 150th anniversary. As the title hints at, the exhibition selects themes that start with letters of the alphabet such as A (Album), B (Bericht), and C (Cartographia) under the umbrella of travel, introducing items from their collections related to each theme. From an album with landscape sketches and maps of popular holiday destinations from the 1860s to a poster from 1900 showing the route from Hamburg to the Americas and illustrations depicting women's travel attire in the early 20th century, the items on display are very diverse. While the library's past exhibitions either focused on a certain artistic medium or an artist, this special exhibition explores the rather abstract subject of 'travel'. Brand said: “Travel is a source of artistic inspiration for artists beyond time or geographical space. We wish to provide an opportunity for audiences to explore the history and collections of the library under the theme.”
He then stressed the importance of museum libraries’ exhibition functions. There are some collections that can only be fully appreciated by the audience as part of an exhibition – not just through a single private viewing. Book art is a prime example. It reflects the aesthetic ideas of an artist in all its elements, including its contents, format, and sequence. Since book art was not a traditional mainstream medium like paintings or sculptures, they were produced mainly as 'expensive limited edition books created by renowned artists’(livres d’artistes) in the late 19th century and distributed through auctions or galleries. They began to be produced at scale in the 20th century, crossing the boundaries of art, literature and design, and were produced in a wider variety of types such as artists' books, magazines, book objects and so on by conceptual artists in the 1960s. It was partly because artists used books to draw art away from the institutional system at the time. However, book art was not recognised as a genre in art galleries and libraries. In one famous episode in 1964 the US Library of Congress refused to register Edward Ruscha's artist book, which was deemed neither a photography book nor a literary book.3
The Kunstbibliothek, which has consistently created exhibitions since its opening, presented The ABC of Travel exhibition to mark its 150th anniversary. As the title hints at, the exhibition selects themes that start with letters of the alphabet such as A (Album), B (Bericht), and C (Cartographia) under the umbrella of travel, introducing items from their collections related to each theme. From an album with landscape sketches and maps of popular holiday destinations from the 1860s to a poster from 1900 showing the route from Hamburg to the Americas and illustrations depicting women's travel attire in the early 20th century, the items on display are very diverse. While the library's past exhibitions either focused on a certain artistic medium or an artist, this special exhibition explores the rather abstract subject of 'travel'. Brand said: “Travel is a source of artistic inspiration for artists beyond time or geographical space. We wish to provide an opportunity for audiences to explore the history and collections of the library under the theme.”
He then stressed the importance of museum libraries’ exhibition functions. There are some collections that can only be fully appreciated by the audience as part of an exhibition – not just through a single private viewing. Book art is a prime example. It reflects the aesthetic ideas of an artist in all its elements, including its contents, format, and sequence. Since book art was not a traditional mainstream medium like paintings or sculptures, they were produced mainly as 'expensive limited edition books created by renowned artists’(livres d’artistes) in the late 19th century and distributed through auctions or galleries. They began to be produced at scale in the 20th century, crossing the boundaries of art, literature and design, and were produced in a wider variety of types such as artists' books, magazines, book objects and so on by conceptual artists in the 1960s. It was partly because artists used books to draw art away from the institutional system at the time. However, book art was not recognised as a genre in art galleries and libraries. In one famous episode in 1964 the US Library of Congress refused to register Edward Ruscha's artist book, which was deemed neither a photography book nor a literary book.3
ⓒBavarian State Library /H.R Schulz
Kunstbibliothek is not the only library which collects book arts. Last year, Munich’s Bayerische Staatsbibliothek also held a large-scale exhibition themed on artists' books (Künstlerbücher). The exhibition, titled Show Case, presented a range of artists' books that the library owned, from an illustration collection of William Blake published in 1795 to the latest art publications made in 2017. It also introduced books by Cha Hak-kyung, Yoon Mi-jin and Kim Soo-ja. The excitement I felt from the exhibition lasted quite a long time. I was very surprised at the library’s active role in exhibition and research, and of course I was thankful for the rare opportunity to see so many artists’ books in one place. The library not only showcased their own collections, but a definition and history of artists' books and their own academic achievements in this genre. Would it be an exaggeration if I say I got the impression that the library was rewriting art history? But then again why should that be so surprising? It was the moment I realised how narrow my definitions of library and museum had been.
In the last bit of our conversation, Brand talked about the hardships that they face as a museum library. Books are being produced faster than ever before and their forms and types are boundless. Therefore, it is natural that they are worried about their physical storage limitations as an art library that deals with art, design, and architecture. And there are more things to consider carefully when classifying books. Although their priority is to make their books easy for visitors to find and to create exhibitions, they have to limit access to old books, rare copies, or delicate papers to preserve them. To counter this problem they are digitising their collections, but there are a lot of issues to overcome, including budget, manpower, time and copyright issues.
These issues are relevant to Korea too. This year local governments in cities including Ulsan, Daegu and Uijeongbu announced plans to build art libraries. The aim is to meet the diverse cultural needs of citizens and to revitalise the local economy, and there will be several tens of millions of dollars to be spent. But if these are the aims, why should art libraries be built? In France, the government's plan to build a museum library was postponed for 30 years through various administrations. The Institute National d'Histoire de I'Art (INHA) was finally established in 2001. Today the organisation is largely responsible for fostering art academia and field experts in close cooperation with Bibliothèque d'art et d'archéologie, Bibliothèque centrale des Musées Nationaux (BCMN), Bibliothèque de l'École Nationale Supérieure des Beaux-Arts, and Bibliothèque de l'École Nationale des Chartes.
Don't get me wrong: I believe Korea needs an art library. However, we have seen earlier that the purpose and vision of the Kunstbibliothek established when it was created still affects its roles and operation today. So we need to ask ourselves this question now: Why do we need an art library? We must devote time to answering this question. European countries spent years preparing to build a single art library through long and arduous processes, whether due to regime change or in the midst of the drastic changes brought about by modernisation. That's why the Koreans plans, which were presented after just a few expert committees and civic discussions, do not sound very hopeful. The organisations in the plans might turn out to be white elephants that are neither museums nor libraries. The effusive sentences that were written in the plans selling the idea to local people were particularly worrisome.
1. Gernot U. Gabel, Die “National Art Library in London”, Bibliothekdienst 40. Jg, 2006, H.1. p. 9.
2. Die Bibliotheken der Staatlichen Museen zu Belrin-Preußischer Kulturbesity, Dr. Johachim Brand, Fachhochschule Köln, Fachbereich Bibliotheks- und Informationswesen Köln, 2000, p. 8.
3. Ruscha, Ed, Leave Any Information at the Signal: Writings, Interviews, Bits, Pages, eds. Alexandra Schwartz, Ed Ruscha, New York: The MIT Press, 2004, p. 86.
ARTICLE
When Publishing Becomes an Artistic Practice, When an Articstic Pracitce Becomes Publishing (KR)
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쿤스트할레 빈(Kunsthalle Wien)의 기획전 <Publishing as an Artistic Toolbox’, 1989-2017>은 미술에서 출판을 주요한 방식으로 활용하는 동시대 작가들에 관한 전시다. 이번 전시는 ‘1989년 베를린 장벽이 무너진 이후 급변한 세계 정치와 사회’를 무대로 ‘웹이 개발된 이후’의 타임라인을 공유하는 예술가들의 출판 행위를 집중적으로 보여주고자 했다.
Exhibition view: Publishing as an Artistic Toolbox: 1989–2017, Kunsthalle Wien 2017, Photo: Jorit Aust
출판이 문학뿐 아니라 미술과 디자인의 영역에서 예술가들에게 유효한 방식으로 자리매김한 것은 물론 최근의 일이 아니다. 18세기 시인이자 화가였던 윌리엄 블레이크(William Blake)의 삽화집을 시작으로 20세기 초 미래주의의 서막을 알린 마리네티(Filippo Tommaso Marinetti)의 인쇄물과 잡지, 크기와 레이아웃, 타이포그래피를 포함한 그래픽 디자인의 모든 면에서 시대에 앞서 있었던 엘 리시츠키(El Lissitzky)의 책들은 이미 우리에게 익숙한 예술 출판물이다. 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 ‘녹색상자(The Green Box, 1934)’을 제작하면서, 원본을 제작할 때 보다 그것을 대량으로 인쇄하는 과정(잉크, 종이, 에디션)에 더욱 많은 시간과 노력을 들이기도 했다. 예술에서의 출판이 절정기를 맞은 때는 1960년대 이후 미국과 유럽에서였다. 개념미술 시기의 언어적 성격이 강한 작품들, 비(非)상업적이고 반(反)정치적 성향을 지닌 대안공간의 증가, 간소화/저렴화 된 인쇄기술 등은 당시 '책을 최고의 매체'로 꼽은 솔 르윗(Sol LeWitt)의 언급을 뒷받침한다.
그리고 현재, 예술 출판은 다시 전성기를 맞은 듯 보인다. 책을 매체로 삼은 동시대 미술 작가들과 문학을 실험하는 문인들, 디자인을 독립적인 예술 오브제로 바라보는 그래픽 디자이너들의 출판활동이 눈에 띄게 증가했으며, 그들의 출판물들은 전통적인 출판시장에 편입되기보다 주로 독립서점과 온라인 샵, 북 아트 페어 등을 통해 유통되고 있다. 예술활동으로써 출판에 관한 담론과 이론들이 꾸준히 발표되는 가운데 갤러리를 위주로 전시되었던 책 작품들이 이제는 미술관과 도서관의 기획전으로 전시된다는 소식을 근래 들어 종종 접하고 있다.
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이번 전시는 오늘날의 예술 출판활동과 관련하여 11개의 부제로 나누어 조명하고자 했으며, 전시 공간 또한 이 부제에 따라 매우 정직하게 구획되었다. 전시장 입구부터 나열된 책들은 예술가가 만든 책과 그들이 직접 선별한 책들이었다. 서가에는 마우리치오 카텔란(Maurizio Cattelan)이 공동 저술한 책(Charley 05)과 그가 고른 3권의 책(Anyway, The Photobook: A History Volume vol. 1-3, S,ML,XL)이 나란히 놓여 있었다. 리암 길릭(Liam Gillck)은 자신의 책 ‘모든 책들(All Books)’과 이-플럭스(e-flux)저널의 출력물들을 선별해 두었다. 전시 텍스트에서 길릭은 ‘이 저널이 미술뿐 아니라 정치, 사회 그리고 미학적인 주제에 대해 역동적이고 비평적인 글쓰기가 가능한 플랫폼을 제공하고, 인터넷 상에서 쉽게 유통 및 출력이 가능한’ 것을 이유로 밝혔다.
프란츠 웨스트(Franz West)의 책들은 전시장 밖에서 특별한 방식으로 관람이 가능했다. 16명의 작가들은 생전 그가 사용했던 작업실이자 현재 그의 아카이브 자료실로 활용되는 장소를 각자 방문하고, 자신의 개인 도서관으로 활용한다. 그들은 이동식 서가를 통해 도서관의 공간을 변형시키기도 하고, 기존의 자료들과 자신의 작업을 새롭게 배치하는 방식으로 사서의 임무를 예술가의 역할로 대체한다.
혹시라도 전시장에서 북 아트(book art) 작품을 기대한 관람객이라면 매우 아쉬울 수도 있다. 프랑스 작가 필립 토마스(Philippe Thomas (1951–1995))의 작품을 회고전 성격으로 전시한 일부를 제외하고, 정교하게 제작된 책 작품을 보기는 어렵다. 이번 전시의 방점이 책이 아닌 출판에 있는 만큼, 전시의 대부분은 출판 행위를 통해 확장된 예술가의 역할을 살펴볼 수 있는 출판물로 구성되었다. 따라서 전시된 책들은 책의 물리적인 조건을 활용한 책 조각(book sculpture)이거나 두꺼운 표지, 특이한 바인딩, 혹은 수작업으로 제작된 한정본의 책들과 거리가 멀었다. 오히려 책이기 보다 저렴한 인쇄물에 가까웠다. 대부분 얇고 작은 크기를 지녔으며, 가독성이 떨어지는 폰트는 물론이고 난해한 디자인까지 더해져 그 내용을 쉽게 짐작 할 수 없는 잡지 말이다.
에이미 실만(Amy Sillmann)의 ’The O_G’도 그 중 하나였다. 현재 11호까지 발행된 작가의 진(zine)들은 저마다 크기가 다르게 제작되었고, 잡지들을 관통하는 일관된 디자인이나 내러티브 또한 부재했다. 작가의 드로잉과 텍스트가 두서없이 담긴 이 인쇄물들은 그 내용보다 진의 형식으로 가능한 최대한의 변주를 보여준다는 점에서 흥미로웠다. ‘The Thing Quarterly’는 존 헤어셴(Jonn Herschend)과 윌 로건(Will Rogan)이 운영하는 잡지다. 매 시즌 이슈를 정하고 그에 상응하는 텍스트와 이미지를 엮는 기존의 잡지와 달리, 그들은 다양한 분야의 창작자들이 만든 오브제와 프로젝트를 소개한다. 헤어셴과 로건 둘 다 작가지만 잡지의 컨텐츠를 만들지는 않는다. 대신 그들은 잡지의 참여자를 선별하고, 그들과 협력하며, 그들의 작업을 편집/출판하는 에디터이자 출판인의 역할을 수행한다. ‘매체로써의 잡지, 잡지를 운영하는 예술가들’은 전시의 가장 많은 부분을 할애하여 소개된 부분이다. 여기에 소개된 100여명에 가까운 참여작가들은 저마다 서로 다른 지향점을 내걸고 잡지를 발행하고 있었지만, 대부분 완성도 높은 결과물로서 잡지를 만들기 보다 출판 행위, 그 자체에 주안점을 두고 있었다.
그리고 현재, 예술 출판은 다시 전성기를 맞은 듯 보인다. 책을 매체로 삼은 동시대 미술 작가들과 문학을 실험하는 문인들, 디자인을 독립적인 예술 오브제로 바라보는 그래픽 디자이너들의 출판활동이 눈에 띄게 증가했으며, 그들의 출판물들은 전통적인 출판시장에 편입되기보다 주로 독립서점과 온라인 샵, 북 아트 페어 등을 통해 유통되고 있다. 예술활동으로써 출판에 관한 담론과 이론들이 꾸준히 발표되는 가운데 갤러리를 위주로 전시되었던 책 작품들이 이제는 미술관과 도서관의 기획전으로 전시된다는 소식을 근래 들어 종종 접하고 있다.
이번 전시는 오늘날의 예술 출판활동과 관련하여 11개의 부제로 나누어 조명하고자 했으며, 전시 공간 또한 이 부제에 따라 매우 정직하게 구획되었다. 전시장 입구부터 나열된 책들은 예술가가 만든 책과 그들이 직접 선별한 책들이었다. 서가에는 마우리치오 카텔란(Maurizio Cattelan)이 공동 저술한 책(Charley 05)과 그가 고른 3권의 책(Anyway, The Photobook: A History Volume vol. 1-3, S,ML,XL)이 나란히 놓여 있었다. 리암 길릭(Liam Gillck)은 자신의 책 ‘모든 책들(All Books)’과 이-플럭스(e-flux)저널의 출력물들을 선별해 두었다. 전시 텍스트에서 길릭은 ‘이 저널이 미술뿐 아니라 정치, 사회 그리고 미학적인 주제에 대해 역동적이고 비평적인 글쓰기가 가능한 플랫폼을 제공하고, 인터넷 상에서 쉽게 유통 및 출력이 가능한’ 것을 이유로 밝혔다.
프란츠 웨스트(Franz West)의 책들은 전시장 밖에서 특별한 방식으로 관람이 가능했다. 16명의 작가들은 생전 그가 사용했던 작업실이자 현재 그의 아카이브 자료실로 활용되는 장소를 각자 방문하고, 자신의 개인 도서관으로 활용한다. 그들은 이동식 서가를 통해 도서관의 공간을 변형시키기도 하고, 기존의 자료들과 자신의 작업을 새롭게 배치하는 방식으로 사서의 임무를 예술가의 역할로 대체한다.
혹시라도 전시장에서 북 아트(book art) 작품을 기대한 관람객이라면 매우 아쉬울 수도 있다. 프랑스 작가 필립 토마스(Philippe Thomas (1951–1995))의 작품을 회고전 성격으로 전시한 일부를 제외하고, 정교하게 제작된 책 작품을 보기는 어렵다. 이번 전시의 방점이 책이 아닌 출판에 있는 만큼, 전시의 대부분은 출판 행위를 통해 확장된 예술가의 역할을 살펴볼 수 있는 출판물로 구성되었다. 따라서 전시된 책들은 책의 물리적인 조건을 활용한 책 조각(book sculpture)이거나 두꺼운 표지, 특이한 바인딩, 혹은 수작업으로 제작된 한정본의 책들과 거리가 멀었다. 오히려 책이기 보다 저렴한 인쇄물에 가까웠다. 대부분 얇고 작은 크기를 지녔으며, 가독성이 떨어지는 폰트는 물론이고 난해한 디자인까지 더해져 그 내용을 쉽게 짐작 할 수 없는 잡지 말이다.
에이미 실만(Amy Sillmann)의 ’The O_G’도 그 중 하나였다. 현재 11호까지 발행된 작가의 진(zine)들은 저마다 크기가 다르게 제작되었고, 잡지들을 관통하는 일관된 디자인이나 내러티브 또한 부재했다. 작가의 드로잉과 텍스트가 두서없이 담긴 이 인쇄물들은 그 내용보다 진의 형식으로 가능한 최대한의 변주를 보여준다는 점에서 흥미로웠다. ‘The Thing Quarterly’는 존 헤어셴(Jonn Herschend)과 윌 로건(Will Rogan)이 운영하는 잡지다. 매 시즌 이슈를 정하고 그에 상응하는 텍스트와 이미지를 엮는 기존의 잡지와 달리, 그들은 다양한 분야의 창작자들이 만든 오브제와 프로젝트를 소개한다. 헤어셴과 로건 둘 다 작가지만 잡지의 컨텐츠를 만들지는 않는다. 대신 그들은 잡지의 참여자를 선별하고, 그들과 협력하며, 그들의 작업을 편집/출판하는 에디터이자 출판인의 역할을 수행한다. ‘매체로써의 잡지, 잡지를 운영하는 예술가들’은 전시의 가장 많은 부분을 할애하여 소개된 부분이다. 여기에 소개된 100여명에 가까운 참여작가들은 저마다 서로 다른 지향점을 내걸고 잡지를 발행하고 있었지만, 대부분 완성도 높은 결과물로서 잡지를 만들기 보다 출판 행위, 그 자체에 주안점을 두고 있었다.
시인이자 비평가인 케네스 골드스미스(Kenneth Goldsmith)는 ‘전통적으로 문학에서 글쓰기의 개념이 원본성(originality)과 창조성(creativity)에 초점을 맞춘 것이었다면, 포스트-디지털 환경에 처한 작가들은 이미 존재하거나 끊임없이 증식하는 텍스트들을 관리(management)하고 조작(manipulation)하는 새로운 능력을 필요로 하게 되었다’고 언급했다. 텍스트가 더 이상 새롭게 쓰이는 것이 아닌 끊임없이 공유되고, 이동되고, 조작되는 것일 때, 글쓰기에 관한 저자의 역할 또한 새롭게 인식된다. 이번 전시에서 소개된 ‘UbuWeb’ 은 골드스미스가 1996년부터 시작하여 현재까지 진행 중인 프로젝트다. 처음 그는 구체시를 수집하고 그것을 스캔 하기 위해 이 웹을 개설했으나, 점차 기술이 발전함에 따라 음성시, 기록영상, 영화, 사운드까지 자료를 확장하여 수집하게 되었다. 현재는 7,500명의 작업과 2,500편의 아방가르드 영화를 볼 수 있는 거대한 크기의 플랫폼이다. 이 방대한 자료를 열람하기 위해 필요한 절차란 주소창에 주소를 기입하는 것뿐이며, 파일을 무료로 소장할 수 있고 출력 또한 가능하다. 이윤이 창출되는 구조가 아닌 만큼 오로지 기부와 자원봉사로 운영되는 (그의 말에 따르면 언제 사라질지 모르는) 웹 페이지이지만, 댄 그래햄(Dan Graham)의 일기와 요셉 보이스(Joseph Beuys)의 팝송, 장 뒤비페(Jean Dubuffet)의 음악 등 사라질 뻔한 희귀 자료들이 다시 복원되어 보존된 곳이며, 그 동안 외부에 잘 알려지지 않았던 리처드 세라(Richard Serra)의 영상(Television Delivers People(1973), BOOMERANG(1974))을 인터넷이 가능한 어디에서든 볼 수 있는 (정말 꿈같은) 곳이다. 그의 프로젝트는 자료를 수집하고, 기록/관리하고, 보급/유통하는 제도적 관행의 대척점에서 출판과 디지털 기술 간의 관계를 탐구한다.
안토니 레페브레(Antonie Lefebvre)의 LBF(La Bibliothèque Fantastique)는 그의 박사 논문을 위해 시작된 프로젝트다. LBF에는 레페브레의 텍스트를 포함하여 미셸 푸코(Michel Foulcault)와 스테판 말라르메(Stephane Mallarmé) 등과 같은 저자들의 이론서, 잡지, 작가들이 만든 책들이 게재되었다. 그의 도서관 이용자들은 웹 페이지에 게재된 파일들을 전시장의 인쇄물과 같이 집에서 A4 절반크기의 북클릿 형식으로 출력할 수 있다. 그러나 그 단계에서 그냥 출력버튼을 눌렀다면, LBF를 절반 정도 밖에 사용하지 못한 셈이다. 작가에 따르면, 이용자는 그가 원하는 대로 책의 커버디자인과 페이지 구성, 심지어 원저자와 출판인의 이름까지 직접 새롭게 만들 수(DIY) 있기 때문이다. 따라서 LBF의 자료들은 이미 완결된 텍스트지만 누군가에 의해 편집되기를 기다리는 1차 자료이기도 하고, 그 결과물은 저렴한 인쇄물이자 동시에 ISBN이 없는 자가출판물이 되기도 한다.
이처럼 전시장에서 살펴본 작가들은 저자를 고르고, 내용을 편집하고, 그것을 발행하는 출판 과정을 발화점으로 자신의 예술언어와 미적 담론을 이어갔다. 그들이 만든 출판물은 하위문화와 대항문화의 기질을 물려받은 문화적 생산물이었고, 제도권 밖에서 중심화되기를 거부한 대안적인 공간이었으며, 인터넷과 출판이라는 두 레이어가 병합되었을 때 가능한 출판의 최대 임계치를 실험한 프로젝트였다. 그러나 이러한 행위들이 전시장에서 납작한 한 권의 인쇄물로 놓여질 때, 스크린을 지지체로 한 평면회화처럼 전시될 때 말이다. ‘결국 독해를 요하는 책 매체는 ‘전시’라는 보는 방식과 어울릴 수 없는 것일까? 포스트-디지털 시대의 물적 조건을 반영한 전시란 있을 수 있을까?’ 하는 질문들을 멈추기 어려웠다. 예술에서의 출판을 광의적으로 다뤘던 11개의 부제들이 전시장에서 각각 1줄의 서가로 압축되어버린 공간을 둘러보며, 언젠가 전시가 하나의 링크로만 제시되는 광경을 잠깐 떠올렸던 것 같기도 하다.
* 기사 발행일: 2018년 2월, Public Art, issue 137
INTERVIEW
The National Library of Korea’s Collections, Data, And The LOD Project (KR)
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비/물질 컬렉션을 위한 도서관의 장서개발과 관리
국립중앙도서관은 국내 대표 국공립도서관으로서 국내외 도서관 자료의 개발, 수집, 제공, 보존관리를 하고 있다. 특히 2011년부터 도서관의 서지정보와 주제명, 저자명 데이터를 대상으로 기존의 (KOR)MARC 형태 또는 DBMS 형태의 데이터를 RDF 형식으로 변환하여 웹상에 Linked Open Data (LOD) 형식으로 발행하는 서비스를 제공하고 있다. 그리고 국내외 도서관 사서, 연구자 등과 함께 관련 쟁점과 활용 방안에 대해 논의하고자 2014년부터 매년 컨퍼런스를 개최하고 있다. 국립중앙도서관 국가서지과 최윤경 사무관과의 인터뷰를 통해 도서관의 실물 자료와 데이터, 서지정보와 이를 활용한 LOD 프로젝트에 대해 이야기를 나눴다.
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HS: 도서관 장서와 소장자료 중에는 흔히 알고 있는 일반 서적 외에도 지도와 사진, 악보 및 음악 관련 자료, 마이크로형태 자료, 시청각 자료 등 다양한 형태의 자료들이 포함되어 있습니다. 도서관이 자료를 수서하고 소장하는 기준은 무엇인지, 그 범위는 어떻게 되는지 궁금합니다.
국립중앙도서관은 국가 도서관으로 납본법에 따라 자료를 수집하고 있습니다. 그래서 일반적인 도서관(공공 기관, 대학교 등)에서 자료를 선정하는 ‘수서’ 방식과는 차이가 있습니다. 우선 ISBN을 부여받은 자료들을 납본 받고 있고, 일부 기증이나 구입(고서나 근대문헌)의 방식으로도 자료를 수집하고 있습니다. 자료를 수집하는데 있어 유형의 구분은 없고, 모든 형태의 자료(실물 자료, 온라인 자료)를 모두 포함하고 있습니다.
HS: 도서관에서 수집한 자료 중에 지도나 사진, 음악 관련 자료들은 국립중앙박물관이나 국립현대미술관 등 타 기관의 소장품 유형과 중복될 수도 있을 것 같아요. 실제로 분야별로 나뉘어 국공립 도서관/미술관 건립이 된 것이 그리 오래된 일이 아니라는 점을 감안할 때, 반세기 가까운 시간동안 대부분의 지류 자료는 대부분 국립중앙도서관에서 수서하고 보존했을 것이라 예상되는데요. 도서관 내, 분야별 전문가가 상주해 계시는지, 혹은 타 기관과 교류 및 협력(자료이관, 공동연구 등) 등을 통한 협업이 이뤄지고 있나요?
제 생각엔 실물 자료 측면에서는 중복자료는 거의 없을 것 같아요. 그리고 오래된 자료들은 판본도 중요하기 때문에, 제목이나 저작이 동일하다고 같은 자료로 간주되지 않는 것으로 알고 있습니다. 물론 도서관 내에 사서뿐만 아니라 고문헌을 관리하는 학예직 직원이 근무하고 있습니다. 이분들이 역사적인 자료들을 별도로 관리를 하고 계시지만 음악이나 사진 등 자료 유형이나 장르에 따라 특화된 전문 사서는 없습니다
국립중앙도서관은 국내 대표 국공립도서관으로서 국내외 도서관 자료의 개발, 수집, 제공, 보존관리를 하고 있다. 특히 2011년부터 도서관의 서지정보와 주제명, 저자명 데이터를 대상으로 기존의 (KOR)MARC 형태 또는 DBMS 형태의 데이터를 RDF 형식으로 변환하여 웹상에 Linked Open Data (LOD) 형식으로 발행하는 서비스를 제공하고 있다. 그리고 국내외 도서관 사서, 연구자 등과 함께 관련 쟁점과 활용 방안에 대해 논의하고자 2014년부터 매년 컨퍼런스를 개최하고 있다. 국립중앙도서관 국가서지과 최윤경 사무관과의 인터뷰를 통해 도서관의 실물 자료와 데이터, 서지정보와 이를 활용한 LOD 프로젝트에 대해 이야기를 나눴다.
HS: 도서관 장서와 소장자료 중에는 흔히 알고 있는 일반 서적 외에도 지도와 사진, 악보 및 음악 관련 자료, 마이크로형태 자료, 시청각 자료 등 다양한 형태의 자료들이 포함되어 있습니다. 도서관이 자료를 수서하고 소장하는 기준은 무엇인지, 그 범위는 어떻게 되는지 궁금합니다.
국립중앙도서관은 국가 도서관으로 납본법에 따라 자료를 수집하고 있습니다. 그래서 일반적인 도서관(공공 기관, 대학교 등)에서 자료를 선정하는 ‘수서’ 방식과는 차이가 있습니다. 우선 ISBN을 부여받은 자료들을 납본 받고 있고, 일부 기증이나 구입(고서나 근대문헌)의 방식으로도 자료를 수집하고 있습니다. 자료를 수집하는데 있어 유형의 구분은 없고, 모든 형태의 자료(실물 자료, 온라인 자료)를 모두 포함하고 있습니다.
HS: 도서관에서 수집한 자료 중에 지도나 사진, 음악 관련 자료들은 국립중앙박물관이나 국립현대미술관 등 타 기관의 소장품 유형과 중복될 수도 있을 것 같아요. 실제로 분야별로 나뉘어 국공립 도서관/미술관 건립이 된 것이 그리 오래된 일이 아니라는 점을 감안할 때, 반세기 가까운 시간동안 대부분의 지류 자료는 대부분 국립중앙도서관에서 수서하고 보존했을 것이라 예상되는데요. 도서관 내, 분야별 전문가가 상주해 계시는지, 혹은 타 기관과 교류 및 협력(자료이관, 공동연구 등) 등을 통한 협업이 이뤄지고 있나요?
제 생각엔 실물 자료 측면에서는 중복자료는 거의 없을 것 같아요. 그리고 오래된 자료들은 판본도 중요하기 때문에, 제목이나 저작이 동일하다고 같은 자료로 간주되지 않는 것으로 알고 있습니다. 물론 도서관 내에 사서뿐만 아니라 고문헌을 관리하는 학예직 직원이 근무하고 있습니다. 이분들이 역사적인 자료들을 별도로 관리를 하고 계시지만 음악이나 사진 등 자료 유형이나 장르에 따라 특화된 전문 사서는 없습니다
국내외 타 도서관 중에는 전시장을 운영하여 다각도로 소장 자료를 소개하고 있습니다. 저처럼 책(아티스트 북)을 소재로 연구하고 전시를 기획하는 이에게 도서관의 이런 행보는 관심을 갖지 않을 수 없는데요. 국립중앙도서관에도 디지털 전시장이 마련되어 있는데 도서관 내 전시 전문인력이 계신가요?
국립중앙도서관 내 전시는 대부분 외주 용역을 통해 전시를 발주하고 운영하고 있습니다. 물론 일부 전시는 자체적으로 기획하기도 하는데, 관내에 전시 기획이나 운영 관련 전문인력은 별도로 두고 있지 않습니다.
HS: 현재 도서관 자료는 한국십진분류법(KDC)에 따라 주제별로 분류하여 소장됩니다. 그러나 책의 형태와 주제가 점점 더 다양해지고 있고, 특히 2010년대 국내에서 독립출판물 붐이 일면서 KDC의 주류로 구분하기 어려운 책들이 다수 소장되었을 것이라 예상됩니다. 현재 수서 대상을 정하거나 장서를 분류하는데 어려움은 없는지, 있다면 어떤 방식으로 보완하고 계시는지 궁금합니다.
수서 대상을 별도로 제한하지 않기 때문에 도서 수집에 어려움은 없습니다. 그보다 출판된 자료를 모두 납본 받는 것이 더 중요합니다. 또한 자료의 내용과 형식 측면에서 주제명 표목(주제어, 통제어휘)을 부여하고 있어서 분류기호의 한계점을 보완하고 있습니다. 그리고 청구기호를 구성하는 분류기호 이외에 제 2분류 기호도 부여하고 있습니다.
HS: ‘장서개발지침(2021 개정판)을 참고하면서 ‘하이브리드형 정보자료(일반자료+온라인 자료)’가 눈에 띄었습니다. 물질적, 비물질적 매체를 동시에 활용한 자료를 의미하는 것 같은데 구체적으로 어떤 자료들이 여기에 해당되나요? 이러한 자료들은 이용자에게는 어떤 방식으로 열람 서비스가 제공되는지 여쭤보고 싶습니다.
일반자료는 종이로 된 도서, 비도서자료(CD, DVD, 지도, 악보 등) 등이고, 온라인 자료는 실물이 없이 원격으로 이용 가능한 자료입니다. 온라인 자료는 디지털 파일 형태로 납본 또는 수집해서 시스템에 탑재하는 방식으로 관리되며, 이용자들은 원격으로 이를 열람하게 됩니다.
HS: 그런데 온라인 자료들은 현재 도서관과 협약을 맺은 기관의 지정 PC에서만 이용 가능하도록 안내 중입니다. 원격으로 서비스를 이용할 수 있다고 해도 물리적인 제한이 있어 쉽게 이용하기 어렵습니다.
이는 저작권 문제 때문입니다. 국립중앙도서관에서 보유한 대부분의 온라인 자료들은 저작권이 소멸되지 않았습니다. 따라서 저작권자의 권리를 보호해야 하는 자료에 대해서는 협약 기관(보통 도서관)의 지정 PC에만 이용 가능합니다. 이는 저작권법에서 도서관 간 망전송은 가능하다고 명시되어 있기 때문입니다. 반면 저작권 제한이 없는 자료는 어디에서든 접근할 수 있도록 열람 제한이 없습니다.
국립중앙도서관 내 전시는 대부분 외주 용역을 통해 전시를 발주하고 운영하고 있습니다. 물론 일부 전시는 자체적으로 기획하기도 하는데, 관내에 전시 기획이나 운영 관련 전문인력은 별도로 두고 있지 않습니다.
HS: 현재 도서관 자료는 한국십진분류법(KDC)에 따라 주제별로 분류하여 소장됩니다. 그러나 책의 형태와 주제가 점점 더 다양해지고 있고, 특히 2010년대 국내에서 독립출판물 붐이 일면서 KDC의 주류로 구분하기 어려운 책들이 다수 소장되었을 것이라 예상됩니다. 현재 수서 대상을 정하거나 장서를 분류하는데 어려움은 없는지, 있다면 어떤 방식으로 보완하고 계시는지 궁금합니다.
수서 대상을 별도로 제한하지 않기 때문에 도서 수집에 어려움은 없습니다. 그보다 출판된 자료를 모두 납본 받는 것이 더 중요합니다. 또한 자료의 내용과 형식 측면에서 주제명 표목(주제어, 통제어휘)을 부여하고 있어서 분류기호의 한계점을 보완하고 있습니다. 그리고 청구기호를 구성하는 분류기호 이외에 제 2분류 기호도 부여하고 있습니다.
HS: ‘장서개발지침(2021 개정판)을 참고하면서 ‘하이브리드형 정보자료(일반자료+온라인 자료)’가 눈에 띄었습니다. 물질적, 비물질적 매체를 동시에 활용한 자료를 의미하는 것 같은데 구체적으로 어떤 자료들이 여기에 해당되나요? 이러한 자료들은 이용자에게는 어떤 방식으로 열람 서비스가 제공되는지 여쭤보고 싶습니다.
일반자료는 종이로 된 도서, 비도서자료(CD, DVD, 지도, 악보 등) 등이고, 온라인 자료는 실물이 없이 원격으로 이용 가능한 자료입니다. 온라인 자료는 디지털 파일 형태로 납본 또는 수집해서 시스템에 탑재하는 방식으로 관리되며, 이용자들은 원격으로 이를 열람하게 됩니다.
HS: 그런데 온라인 자료들은 현재 도서관과 협약을 맺은 기관의 지정 PC에서만 이용 가능하도록 안내 중입니다. 원격으로 서비스를 이용할 수 있다고 해도 물리적인 제한이 있어 쉽게 이용하기 어렵습니다.
이는 저작권 문제 때문입니다. 국립중앙도서관에서 보유한 대부분의 온라인 자료들은 저작권이 소멸되지 않았습니다. 따라서 저작권자의 권리를 보호해야 하는 자료에 대해서는 협약 기관(보통 도서관)의 지정 PC에만 이용 가능합니다. 이는 저작권법에서 도서관 간 망전송은 가능하다고 명시되어 있기 때문입니다. 반면 저작권 제한이 없는 자료는 어디에서든 접근할 수 있도록 열람 제한이 없습니다.
<세책과 방각본 고문헌>전, 2016, 국립중앙도서관 1층 전시실
데이터를 개방하고 공유가치를 실현할 LOD 프로젝트
HS: 국립중앙도서관은 2011년부터 LOD(Linked Open Data) 플랫폼을 연구하기 시작했으며, 2014년부터 매회 컨퍼런스를 개최하는 것으로 알고 있습니다. 해외 소재 타 기관과 비교해도, 꽤 이른 시기부터 도서관은 LOD 관련 사업을 진행해왔는데요. 당시 이를 시작하게 된 계기나 배경은 무엇인가요? 현재까지 어떠한 성과들이 있었는지, 그동안 괄목할만한 사례가 있다면 소개부탁드립니다.
너무 오래 전 일이기도 하고 그 동안 사업 담당자도 많이 바뀐 상황이라서 제가 자세히 말씀드리긴 좀 어렵습니다. 그러나 과거 정부에서 ‘정부 3.0’이란 정책을 발표했고, 그 기조에 따라서 ‘개방’, ‘공유’, ‘협력’이란 키워드가 중요하게 다뤄졌습니다. 국립중앙도서관은 문화체육관광부의 소속기관(정부기관)이기 때문에 이러한 정부 기조에 맞게 데이터 개방 정책과 서비스 방식을 고민했고, 그 일환으로 LOD 프로젝트를 실행한 것으로 알고 있습니다.
HS: 도서관이 LOD 사업을 시작한 이후 10년이 넘는 시간이 지났지만, 현재까지 방대한 양의 메타데이터를 지속적으로 만들고 이를 LOD로 발행하는 기관은 국내에서 국립중앙도서관이 거의 유일하다고 생각됩니다. 데이터간 인터링킹이 활발히 이뤄져야 보다 의미있는 LOD 프로젝트가 만들어진다는 점을 감안할 때, 이러한 상황은 조금 아쉬운데요. 그간 진행해오신 LOD 프로젝트 중 국내 기관간, 또는 해외 기관과 협력 진행된 프로젝트가 있는지 궁금합니다.
개인적인 견해를 말씀드리자면, LOD사업을 추진할 때 여기에 적합한 기관이 되려면 많은 데이터를 생산하면서, 동시에 이를 표준화된 방식으로 관리해야 하며, 다른 기관에서도 사용할 만한 가치가 있는 데이터를 보유해야한다는 점입니다. 그래서 외국에서도 주로 국가도서관 중심으로 LOD를 제공하고 있습니다.
그리고 메타데이터를 LOD로 제공하느냐와 링크드 데이터 기반으로 메타데이터를 구축하느냐는 조금 다른 문제입니다. 저희 도서관은 현재 도서관 표준 언어로 데이터를 만들고 있고, 이 데이터를 웹 환경에서 제공할 수 있도록 LOD로 변환하고 있습니다. 카카오에서 저희 LOD를 사용하고 있고, 외국 도서관에서도 우리 LOD로 인터링킹을 하고 있다고 알고 있습니다. 그러나 이를 도서관의 공식적인 프로젝트라고 말씀드리기가 어렵습니다. 기관 간 협력(MOU 등)을 통해 협력한 공식적인 사례로는 EADL(동아시아 디지털도서관) 프로젝트가 있습니다. 현재는 일본 국립국회도서관과 주로 협력하고 있지만, 향후에는 동아시아 국가도서관으로 확대할 계획입니다.
HS: 국립중앙도서관은 2011년부터 LOD(Linked Open Data) 플랫폼을 연구하기 시작했으며, 2014년부터 매회 컨퍼런스를 개최하는 것으로 알고 있습니다. 해외 소재 타 기관과 비교해도, 꽤 이른 시기부터 도서관은 LOD 관련 사업을 진행해왔는데요. 당시 이를 시작하게 된 계기나 배경은 무엇인가요? 현재까지 어떠한 성과들이 있었는지, 그동안 괄목할만한 사례가 있다면 소개부탁드립니다.
너무 오래 전 일이기도 하고 그 동안 사업 담당자도 많이 바뀐 상황이라서 제가 자세히 말씀드리긴 좀 어렵습니다. 그러나 과거 정부에서 ‘정부 3.0’이란 정책을 발표했고, 그 기조에 따라서 ‘개방’, ‘공유’, ‘협력’이란 키워드가 중요하게 다뤄졌습니다. 국립중앙도서관은 문화체육관광부의 소속기관(정부기관)이기 때문에 이러한 정부 기조에 맞게 데이터 개방 정책과 서비스 방식을 고민했고, 그 일환으로 LOD 프로젝트를 실행한 것으로 알고 있습니다.
HS: 도서관이 LOD 사업을 시작한 이후 10년이 넘는 시간이 지났지만, 현재까지 방대한 양의 메타데이터를 지속적으로 만들고 이를 LOD로 발행하는 기관은 국내에서 국립중앙도서관이 거의 유일하다고 생각됩니다. 데이터간 인터링킹이 활발히 이뤄져야 보다 의미있는 LOD 프로젝트가 만들어진다는 점을 감안할 때, 이러한 상황은 조금 아쉬운데요. 그간 진행해오신 LOD 프로젝트 중 국내 기관간, 또는 해외 기관과 협력 진행된 프로젝트가 있는지 궁금합니다.
개인적인 견해를 말씀드리자면, LOD사업을 추진할 때 여기에 적합한 기관이 되려면 많은 데이터를 생산하면서, 동시에 이를 표준화된 방식으로 관리해야 하며, 다른 기관에서도 사용할 만한 가치가 있는 데이터를 보유해야한다는 점입니다. 그래서 외국에서도 주로 국가도서관 중심으로 LOD를 제공하고 있습니다.
그리고 메타데이터를 LOD로 제공하느냐와 링크드 데이터 기반으로 메타데이터를 구축하느냐는 조금 다른 문제입니다. 저희 도서관은 현재 도서관 표준 언어로 데이터를 만들고 있고, 이 데이터를 웹 환경에서 제공할 수 있도록 LOD로 변환하고 있습니다. 카카오에서 저희 LOD를 사용하고 있고, 외국 도서관에서도 우리 LOD로 인터링킹을 하고 있다고 알고 있습니다. 그러나 이를 도서관의 공식적인 프로젝트라고 말씀드리기가 어렵습니다. 기관 간 협력(MOU 등)을 통해 협력한 공식적인 사례로는 EADL(동아시아 디지털도서관) 프로젝트가 있습니다. 현재는 일본 국립국회도서관과 주로 협력하고 있지만, 향후에는 동아시아 국가도서관으로 확대할 계획입니다.
East Asia Digital Library
HS: 도서관은 매회 LODAC 컨퍼런스를 개최하여 국내 유관기관 전문가 분들이 활발히 교류할 수 있도록 장을 마련하고 있습니다. 이외에도 도서관의 서지정보를 활용하여 프로젝트를 진행하려는 저와 같은 외부인을 위한 프로그램이나 안내 창구 등이 있을까요?
도서관에서 개인 연구자를 위한 공식 프로그램은 아직 없습니다. 이와 관련해서 서비스 부서에서는 디지털 스칼라십 서비스를 운영할 계획이 있습니다. 특정 단체나 프로젝트에서 서지데이터를 제공받을 수는 있을 거 같은데, 이것도 일원화된 창구는 아직 없고, 개별 부서에 문의해야 하는 상황입니다. LOD는 디지털정보기획과에, LOD의 원천 데이터가 되는 서지데이터에 대한 문의는 제가 속한 국가서지과에 하셔야 합니다. 저희도 이러한 데이터 서비스를 하기 위한 일원화된 창구나 프로그램이 필요하다고 생각하고 있습니다.
HS: 올 해 진행된 LODAC 2022 에서 ‘국가서지 2030’에 대해 말씀해주셨습니다. 모든 서지정보를 LOD로 발행하는 것을 골자로 하고 있는데 구체적으로 어떤 내용을 담고 있나요?
간략히 말씀드리면 지금까지는 도서관 표준 언어에 맞게 국가서지를 작성하고, 이를 웹 환경에 맞는 링크드데이터로 변환(발행)하는 방식이었습니다. ‘국가서지 2030’은 도서관 서지 데이터의 구조와 시스템 자체를 링크드 데이터로 전환하는 것입니다. 서지를 작성하면서 인터링킹 등을 통한 외부 데이터를 활용할 기회를 높이고, 작성된 서지도 바로 웹에서 노출 가능하도록 합니다.
도서관에서 개인 연구자를 위한 공식 프로그램은 아직 없습니다. 이와 관련해서 서비스 부서에서는 디지털 스칼라십 서비스를 운영할 계획이 있습니다. 특정 단체나 프로젝트에서 서지데이터를 제공받을 수는 있을 거 같은데, 이것도 일원화된 창구는 아직 없고, 개별 부서에 문의해야 하는 상황입니다. LOD는 디지털정보기획과에, LOD의 원천 데이터가 되는 서지데이터에 대한 문의는 제가 속한 국가서지과에 하셔야 합니다. 저희도 이러한 데이터 서비스를 하기 위한 일원화된 창구나 프로그램이 필요하다고 생각하고 있습니다.
HS: 올 해 진행된 LODAC 2022 에서 ‘국가서지 2030’에 대해 말씀해주셨습니다. 모든 서지정보를 LOD로 발행하는 것을 골자로 하고 있는데 구체적으로 어떤 내용을 담고 있나요?
간략히 말씀드리면 지금까지는 도서관 표준 언어에 맞게 국가서지를 작성하고, 이를 웹 환경에 맞는 링크드데이터로 변환(발행)하는 방식이었습니다. ‘국가서지 2030’은 도서관 서지 데이터의 구조와 시스템 자체를 링크드 데이터로 전환하는 것입니다. 서지를 작성하면서 인터링킹 등을 통한 외부 데이터를 활용할 기회를 높이고, 작성된 서지도 바로 웹에서 노출 가능하도록 합니다.
현재 저희가 채택한 언어는 도서관 간 데이터 공유를 목적으로 개발되었기 때문에, 도서관 이외의 분야에서는 활용가치가 떨어집니다. 이러한 부분을 보완하기 위해 LOD를 제공하고 있지만, 연 1회 발행하면 최신성도 떨어지고, 링크드 데이터의 장점을 완전히 반영하지는 못하고 있기 때문에 서지 데이터 생산 기반 자체를 바꾼다고 보시면 됩니다.
HS: 사무관님께서 꽤 오랜시간 도서관의 LOD 사업을 위해 힘쓰신것으로 알고 있습니다. 그동안 사업을 진행해오시면서 개인적으로 기억에 남는 사례가 있으실까요? 또한 도서관 내 LOD 사업의 향후 계획은 무엇인지 궁금합니다.
저는 LOD를 만들기 위한 원천 데이터에 대한 표준화 업무를 수행하고 있습니다. 그래서 실제 데이터에 대한 이해가 높아서 이와 관련된 발표를 해왔습니다. LOD 사업은 현재 데이터 변환 발행에 초점을 두고 있는데 저는 이 변환 규칙을 관리하는 것을 더 중요하게 생각하고, 그런 부분에서 LOD 사업 담당자와 협력하고 있습니다. 앞으로는 (장기적으로) 국가서지가 링크드 데이터 구조로 전환될 수 있도록 서지 데이터를 구성하는 다양한 용어들을 통제 및 어휘화하고 이를 링크드데이터로 발행하도록 LOD 사업 담당자에게 협업할 계획입니다.
HS: 사무관님께서 꽤 오랜시간 도서관의 LOD 사업을 위해 힘쓰신것으로 알고 있습니다. 그동안 사업을 진행해오시면서 개인적으로 기억에 남는 사례가 있으실까요? 또한 도서관 내 LOD 사업의 향후 계획은 무엇인지 궁금합니다.
저는 LOD를 만들기 위한 원천 데이터에 대한 표준화 업무를 수행하고 있습니다. 그래서 실제 데이터에 대한 이해가 높아서 이와 관련된 발표를 해왔습니다. LOD 사업은 현재 데이터 변환 발행에 초점을 두고 있는데 저는 이 변환 규칙을 관리하는 것을 더 중요하게 생각하고, 그런 부분에서 LOD 사업 담당자와 협력하고 있습니다. 앞으로는 (장기적으로) 국가서지가 링크드 데이터 구조로 전환될 수 있도록 서지 데이터를 구성하는 다양한 용어들을 통제 및 어휘화하고 이를 링크드데이터로 발행하도록 LOD 사업 담당자에게 협업할 계획입니다.
- 인터뷰 진행: 2022. 9. 26.
- 인터뷰 발행일: 2023.1.10.
- 인터뷰 협조: 최윤경 (국립중앙도서관 국가서지과 사무관)
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